Арт-терапия

Я верю, что слабых людей нет, у каждого человека есть потенциал и его можно увидеть (по крайней мере, его наличие). Слаб человек лишь от того, что не использует свои возможности и зачастую о многих из них не догадывается.

http://zamok.druzya.org/index.php?showtopic=3948&st=0&start=0

Цветы из лент

http://scraphouse.ru/ideas/miscellaneous/ideas-decorations-of-ribbons.html

Привет! Небольшая идея, посвящённая тому, как можно сделать бумажные цветы, напоминающие хризантемы.

Для это Вам нужно вырезать из бумаги 5 кругов, размер круга - какой больше нравится. Скрепляем круги вместе с помощью брадса (по центру). Делаем по кругу надрезы и мнём (см.фото). Проще не куда, а получается симпатично! 

http://scraphouse.ru/ideas/miscellaneous/a-la-chrysanthemum.html

ПОДАРОЧНЫЙ БАНТ

http://scraphouse.ru/masterclass/flowers-and-decorations/mc-make-a-gift-of-bow-paper.html

Сегодня я опишу процесс создания конверта для письма, денежки или открытки.

Главное, что Вам понадобится – это двухсторонний лист бумаги, не сильно плотный, чтобы сгибать бумагу было легче. Итак, приступаем к МК!

1. Берём квадратный лист бумаги и складываем вдвое. Раскладываем обратно и делаем тоже самое ещё раз перпендикулярно сделанному сгибу, опять раскладываем. Квадрат разделён сгибами на 4 равных квадратика

2. Кладём лист лицевой стороной к столу, и загибаем все края квадрата к центру. Смотрим на фотографию.

3. Переворачиваем квадрат с загнутыми краями и сгибаем его вдвое (фото). Получится, что один из краёв смотрит на Вас.

4. Край, который смотрит в стол выправляем и складываем с тем, что смотрит на вас. Склеиваем их вместе.

Витраж-скрапбукинг

Рассмотрим нестандартный способ оформления странички/обложки для альбома или открытки в виде мозаики. Для создания такой странички не нужно много инструментов, достаточно иметь коврик для рукоделия (или его замену), нож/ножницы, линейку и клей. Главное, думаю, запастись терпением и временем.

Нарезаем фотографию на квадратики размером 2.5 см. Если есть коврик в разметкой, очень хорошо, но он совсем не обязателен. Можно расчертить фото на обратной его стороне и нарезать. И вот несколько примеров создания страниц с помощью техники “мозаика”. Мозаика в скрапбукинге может быть такой:

http://scraphouse.ru/ideas/albums/technology-mosaic-in-scrapbooking.html

Предположим, что основополагающий вопрос для проекта будет такой: Является ли скрапбукинг декоративно-прикладным искусством? Тогда материал этой странички-для Вас!

Чтобы сделать её, нам понадобятся:

• заготовка для самой открытки;
• листок бумаги для скрапбукинга;
• двухсторонний скотч;
• клей;
• бумага для акварели;
• дырокол для декора края;
• дырокол цветочек;
• дырокол бабочка;
• несколько страз (или половинки жемчужин);
• ленточка;
• кружево;
• пуговица;
• вощеный шнурок;
• вспененный скотч;
• волшебный песок (тычинки, бусины, жидкий жемчуг);
• штемпельная подушечка;
• штамп.

Я уверена, такой запас материалов есть почти у каждой скрап-мастерицы. А если нет, то бегом в магазин.

1. Вырезаем из листа для черчения основу для открытки. Мой любимый размер  - 14.5х14.5 см. Кто-то любит больше, кто-то меньше, не суть.

2. Вырезаем из листа для скрапбукинга квадрат размером 14х14 см. (я отталкиваюсь от размера 14.5х14.5 см.). Затем прошиваем края листа на швейной машинке. Основа для открытки готова.

Я люблю завязывать нитки от машинки сзади открытки, чтобы их не было видно.

3. Теперь займусь украшением открытки. Из оставшегося листка бумаги, я вырезаю прямоугольник размером 14х3.5 см. и приклеиваю его на наш квадратик из скрап-бумаги, который мы сделали до этого.

4. Следующим этапом я вырезаю кусочек кружева, подходящий к открытке, и приклеиваю его к нашему квадратику, загибая края сзади.

5. Отрезаю нужной длины ленточку и также её приклеиваю. Затем делаю бантик. Приклеиваю к ленточке.

 В пуговичку просовываю вощёный шнур, завязываю бантиком и  приклеиваю на ленточку.

6. Теперь вырежем сердечко из бумаги для акварели.  Для того чтобы сделать такое сердечко, я воспользуюсь фотошопом, но можно нарисовать и самим. Приклеиваем его на наш квадратик.

7. Делаем дыроколом много-много цветочков из бумаги для скрапбукинга (в принципе, можно из чего угодно сделать).

Затем с помощью инструмента для тиснения (у меня - это обычная ручка) делаю цветочки выпуклыми.

Сделаем для наших цветочков серединки - это могут быть как тычинки или жемчужинки, так и блёстки. Я решила сделать это с помощью клея и "волшебного песка". Берем немного клея и смешиваем его с "песком", затем с помощью зубочистки наносим немного в серединку цветка. Ждём пока высохнет. Не страшно, если песок станет белым, когда высохнет - он будет нужного цвета. 

8. Теперь настал момент приклеить нашу основу на саму открытку, делаю я это с помощью двухстороннего скотча.

9. Беремся за цветочки - приклеиваем наши подсохшие цветочки на сердечко. Чем больше цветочков, тем более насыщенной будет ваша открытка. Даём немного взяться клею.

10. Теперь сделаем с помощью другого дырокола бабочки. Чуть-чуть сгибаю у них крылышки, а затем приклеиваю их на наши цветочки. В серединку бабочки приклеиваем половинку бусинки.

11. С помощью штемпельной подушки я делаю отштамповку надписи. Приклеиваю её на нашу открытку с помощью вспененного скотча.

И вот, что в итоге у нас получилось.

Ндаа... Как оказалось, это дело и не 15-ти минут вовсе :) Но это если у вас нет цветочков, которые надо загибать. А если есть, то изготовление открытки не займет больше 15 минут. Правда-правда! Надеюсь, этот мастер-класс будет полезен начинающим скрап-мастерицам.
До встречи на следующих МК!!!

http://scraphouse.ru/masterclass/boxes/basket-for-the-sweet.html

Гербы и экслибрисы

http://v-a-l-l.blogspot.com/search/label/%D0%BC%D0%B0%D1%81%D1%82%D0%B5%D1%80-%D0%BA%D0%BB%D0%B0%D1%81%D1%81%D1%8B

Квилинг

 Подарочная корзиночка для конфет или печенья-     мастер-класс. 

Процесс создания корзиночки достаточно прост. Нам понадобится следующий незамысловатый скрап-набор: плотная бумага, ножницы, клей и брадс...

Материалы и инструменты:

• двухсторонняя бумага
• ножницы
• клей
• брадс
• украшения

1. Из двусторонней бумаги вырезаем отрезок 15х15 см. Края квадрата закругляем фигурным дыроколом или ножницами.

2. Далее бигуем тот же квадрат из бумаги, отступая от края бумаги на 5 см. с каждой стороны. У Вас должны получится 9 квадратов со стороной в 5 см.

3. Делаем по два пятисантиметровых надреза на двух параллельных сторонах квадрата.

4. Теперь складываем корзиночку так, чтобы центральные лепестки бумаги оказались внутри (см. фото).

5. Проделываем отверстие в месте, где пересекаются все три лепестка и вставляем брадс (брадс должен пройти сквозь 3 квадрата).

6. Последнее – это ручка. Вырезаем из бумаги отрезок шириной 2 см., какой он будет длины - решайте сами. Приклеиваем готовый отрезок, как показано на фото и украшаем, как хочется.

http://scraphouse.ru/masterclass/boxes/basket-for-the-sweet.html

Авторизованная

программа

по предмету

"Уроки искусства"

Степаниденко Наталья Сергеевна, учитель начальных классов

Статья отнесена к разделу: Работа с дошкольниками, Преподавание МХК и ИЗО

ПОЯСНИТЕЛЬНАЯ ЗАПИСКА

Данная программа воплощает в себя новый подход к художественно-творческому развитию дошкольников, который заключается в постановке и реализации принципиально новых задач художественной педагогики.

Основа программы – это постепенность погружения в мир искусства, в особенности его связей с жизнью. Каждое занятие – новый шаг в познании. А познание это происходит, как через восприятие искусства (профессионального и народного), так и через практическую творческую деятельность ребенка. Единство их в каждом занятии обязательно.

Занятия построены в виде игры – путешествия по сказочным странам (в гости к краскам, к кисточкам, к палочкам и т.д.). Основная цель этих превращений в веселую игру занятий – научить растущего человека думать, фантазировать, мыслить смело и свободно, в полной мере проявляя свои способности.

Постепенно дети включаются в круг художественной жизни через три формы художественной деятельности, которые предстают перед ними в виде трех сказочных братьев: Мастера Изображения, Мастера Украшения и Мастера Постройки. Три формы художественного мышления (изобразительная, декоративная, конструктивная) фактически являются основой творчества. Переход от игровой формы их осознания к научной будет происходить постепенно.

ОСНОВНАЯ ЦЕЛЬ – постижение ребенком духовного содержания искусства, его образного языка и возможностей различных, художественных материалов.

Обучение делится на три этапа. Через цветовую беспредметную живопись, а затем линию и форму нужно перейти вместе с детьми к построению предметной композиции.

I ЭТАП

4-летний ребенок тонко, чутко воспринимает цвет, цветовые отношения и их воздействие на настроение. Важно не упустить эту возрастную особенность. Занятия лучше начать с развития у детей чувства цвета.

Задачи I этапа:

• помочь ребенку найти свое понимание цвета и научиться с его помощью выражать свои эмоции и чувства;
• формировать художественно-творческую активность ребенка;
• духовно развивать личность, воспитывать эмоциональную чуткость, воспитывать мир чувств ребенка.

II ЭТАП

В 5 лет у ребенка появляется интерес к линии, ее пластичности и выразительности.

Задачи II этапа:

• обратить внимание детей на линию как основное выразительное средство;
• развить умение выбирать нужные изобразительные средства для создания того или иного образа;
• развить художественно-творческие способности ребенка, его наблюдательность;
• учить видеть, понимать и эмоционально откликаться на увиденное.

III ЭТАП

В 6 лет возникает тяга к предметному рисованию, к детализации в рисунке.

Задачи III этапа:

• развить стремление ребенка к созданию образов;
• учить строить предметные композиции, постигать законы композиции;
• учить видеть деятельность трех Братьев Мастеров - Изображения, Украшения и Постройки, как в самостоятельном их проявлении, так и в единстве;
• учить выражать свое отношение к тому, что человек строит, украшает и изображает;
• воспитывать чуткого к искусству, грамотного зрителя.

КОНЕЧНАЯ ЦЕЛЬ – формирование художественной культуры как неотъемлемой части культуры духовной.

Обучение строится на следующих принципах:

• единство и постепенность погружения в мир искусства;
• сравнение на основе воспринятых впечатлений в жизни и в произведениях живописи;
• доступность и простота изучаемого.

Средства обучения:

Главное, не вести работу одними и теми же материалами, а постоянно менять их, развивая умения работать всеми, используя разнообразные техники:

• работа с бумагой (бумагопластика), с пластилином (барельеф), с палочками (граттаж), с природными материалами (монотипия), с тушью (кляксография), со свечкой (графика).
• рисование ладошкой, пальцами, поролоном, кисточками.
• зрительный ряд (иллюстрации картин художников, скульптур зданий архитектуры и т.д.);
• магнитозаписи и т.д.

Методы работы:

• беседа;
• пересказ;
• наблюдения;
• объяснение с демонстрацией;
• предварительное разъяснение.

ЛИТЕРАТУРА

1. Никологорская О. “Волшебные краски”, М, АСТ пресс, 1997 г.
2. Мосин И.Г. “Рисование” (в 2-х частях), Ектеринбург, У-Фактория, 2004 г.
3. Сокольникова Н.М. “Изобразительное искусство” (в 2х частях), М, АСТ, 1998 г.
4. Смит А., Тетчелл Д. “Энциклопедия рисования”, М, РОСМЭН, 2000 г.
5. Комарова Т.С. “Рисование для детей среднего дошкольного возраста”, М, АСТ, 2000 г.
6. Максимова Н.М., Колобова Т.Г. “Аппликация для детей старшего дошкольного возраста”, М, АСТ 1998 г.
7. Куревина О.А., Селезнева Г.Е. “Путешествие в прекрасное” (в 3-х ч.), М, Баласс,1999 г.
8. Васильева-Гангус Л. “Уроки занимательного труда”, М, Педагогика, 1987 г.
9. Коротеева Е.И. “Искусство и ты”, М, Просвещение, 1997 г.
10. Неменский Б.М. “Искусство вокруг нас”, М, Просвещение, 2005 г.
11. Ищенко И. “Моя первая книжка о красках”, LINKA-PRESS, 1994 г.
12. Нерсесова О.И. “Сказки про краски”, М, Малыш, 1990 г.
13. Никологорская О.А., Маркус Л.И. “Излечивает гнев и заполняет время” (о графике), журнал “Сделай сам” №3, 1990 г.
14. Михайлова Н. “Рисование дошкольников – процесс или результат”, журнал “Дошкольное воспитание” №4, 1994 г.
15. Кий А.И., Мальцев Н.В., Козлев В.Н. и др. “ Мы входим в мир прекрасного”, Санкт-Петербург, 1995 г.
16. Столяров Б.А. “По залам Русского музея”, Санкт-Петербург, 1993 г.
17. Мигаль Б.Г. “Цвет в природе и изобразительном искусстве”, Санкт-Петербург, 1993 г.
18. Мигаль Б.Г. “Линия и форма в природе и изобразительном искусстве”, Санкт-Петербург, 1993 г.
19. Рева Н.Д. “Детский рисунок. Материалы и техника”, Санкт-Петербург, 1994 г.
20. Желли Т. “Ной, научи нас рисовать животных”, Цицеро, Рудомино, 1992 г.

http://festival.1september.ru/articles/418393/

Медальоны

периода

Христианства

Искусство-продукт нашей психики  

С психологической точки зрения все виды искусства, в зависимости от построения специфического языка и реализации практической деятельности, можно разделить на визуальные (например, изобразительное искусство), аудиальные (например, музыка), кинестетические (например, танец) и полимодальные (например, театр).

Для видов искусства свойственно взаимопроникновение и параллельное сосуществование (например, общеизвестна  ассоциация цвета и звука), что является хорошей основой раскрытия многих творческих процессов.

Все это говорит о том, что обучение конкретному виду искусства невозможно без понимания психических механизмов, которые порождают и развивают творческую деятельность.

Именно система чувств, способы мышления, эстетические и нравственные идеалы, приемы моделирования лежат в основе создания любого творческого произведения.

Ключевые вопросы технологии обучения искусству:

• Какова цель обучения искусству в школе?
• Что именно дает занятие конкретным видом искусства для личностного развития ребенка?
• Какие базовые психические механизмы лежат в основе творческой деятельности?
• Чему следует учить в рамках школьного образования?
• Как обучать искусству наиболее эффективно с точки зрения развития личности и образовательных результатов?

Моделирование реальностей -

ключевое назначение искусства,

 ведущий инструмент человеческого прогресса и творческого преобразования мира. Поэтому уроки искусства как способ совершенствования инструментов моделирования трудно недооценить для развития интеллекта и личности в целом. Именно отсюда проистекает наше понимание основного предназначения уроков искусства — формирование стратегий и навыков построения бесчисленного множества реальностей, что является фундаментальной основой мышления и творчества. Поэтому в творческой деятельности наиболее ярко и целостно удается соединить воедино эмоциональную, интеллектуальную и духовные сферы.

Развивающая роль искусства

связана со следующими составляющими личностного опыта:

• с развитием чувственно-эмоциональной сферы;
• с развитием восприятия и фантазии;
• с развитием интеллектуальных операций;
• с развитием инструментов и навыков моделирования;
• с развитием речи и мышления;
• с развитием эстетических и нравственных норм и идеалов;
• с развитием механизмов поиска и создания личностных смыслов;
• с развитием я-концепции.
• с развитием индивидуальной картины мира (модели).

Принципы мотивации  интереса к рисованию

• Обучение изобразительному искусству направлено на самовыражение и развитие личности, а затем на приобщение к образцам мировой художественной культуры.
• Авторство ученика изначально первично: сначала он выступает в качестве создателя своего произведения, а лишь затем анализирует и соотносит результаты собственного творчества с работами других учеников, мастеров искусства.
• В ходе обучения искусству школьнику необходимо овладеть различными ролевыми позициями: «автор», «зритель», «критик», «искусствовед», «живописец», «график», «скульптор», «дизайнер» и т.д.
• Любые виды учебной деятельности на уроке должны носить личностный смысл, согласовываться с интересами ребенка, сориентированы на реальное их использование в жизни ученика.
• Развитие интереса к искусству и художественного вкуса строится на основе имеющегося личностного опыта творческой деятельности, сформированных собственных эстетических эталонов, освоения языка искусства.
• Учитель и ученик должны совместно согласовывать цели образовательного процесса.
• В ходе обучения изобразительному искусству необходимо как можно больше предоставлять детям свободу выбора: создания замысла творческой работы, вида деятельности, художественных материалов, индивидуальной или групповой работы, сложности выполнения творческой задачи, формы домашнего задания и т.д.
• Обучение искусству необходимо согласовывать с творческой избирательностью ребенка (предпочтениям к видам деятельности, материалу, личностным смыслам и т.д.).
• На начальных этапах учитель показывает ученикам различные приемы изобразительной деятельности, а впоследствии дети, овладевая ими, формируют собственный опыт художественной и учебной деятельности.
• Процесс обучения собственно изобразительной деятельности необходимо сразу строить на основе анализа познавательных и творческих стратегий, управляя, таким образом, развитием знаний, умений и навыков.
• В процессе изучения изобразительного искусства необходимо развивать различные виды рефлексии: результаты собственной деятельности и процесс творчества, способы управления своими действиями, а также восприятие художественного произведения (замысла, средств выразительности, эстетической ценности, принадлежности к определенной эпохе, направлению и стилю искусства и т.д.).

Компоненты содержания школьных программ по ИЗО:

• Развитие кругозора и предметной эрудиции.
• Развитие умений и навыков изобразительной и творческой деятельности.
• Развитие познавательных способов и стратегий.
• Самоопределение и самореализация личности.
• Самоорганизация и саморегуляция.

Этапы организации урока:

• Организационный момент и введение в урок.
• Совместное целеполагание.
• Эвристическая беседа/создание игрового контекста.
• Спонтанное самовыражение в процессе творческой деятельности.
• Диагностика творческих предпочтений и базового уровня сложившихся навыков.
• Планирование творческой деятельности.
• Реализация творческой деятельности.
• Анализ достигнутых результатов (работа с листом анализа познавательной стратегии).
• Планирование коррекции собственной деятельности на последующих уроках.
• Защита своей творческой работы.
• Подведение итогов.

Начало обучения изобразительному искусству

1. Организация цикла уроков «Вернисаж»,  с созданием  игрового контекста.
2. Беседы с детьми о роли искусства и художнике с обсуждением их предназначения, о видах деятельности, о художественных материалах
3. Подготовка первой выставки детских работ в классе.

  Ученики начальной школы могут выбрать любой предложенный им художественный материал (уголь, карандаши, мелки, краски и т.д.), для того чтобы нарисовать авторскую работу «Моя презентация». Она служит вхождением ребенка в позиции «Я — художник» и «Я — автор», которые представляют собой диагностику сложившихся умений и навыков детей. По ее результатам ученики вместе с учителем могут проанализировать то, что им лучше всего удалось, как привлечены определенные выразительные средства. Такие уроки обязательно должны быть самопознанием детей.

Ход  творческой деятельности

Многие учащиеся никогда не обращали внимание на то, как много они уже знают и умеют. Учителю  полезно задать рамки позитивной и качественной обратной связи детей самим себе, друг другу, а учителю — ученикам. Результатом этих уроков должна стать выставка и ее анализ. Следует похвалить каждую работу, подметить в ней что-то особенное, в обратной связи используя «язык искусства». В одних работах необходимо отметить интересное использование цвета. В других — «смелые» линии или формы, в третьих — трудность задачи. Такое вхождение в мир искусства станет замечательной мотивацией для продолжения обучения.

Итогом первых уроков следует сделать обсуждение совместного плана действий учителя и учеников на ближайшую четверть или триместр (совместное целеполагание). Именно здесь должна быть развернута логика дальнейшего обучения основным  компетенциям (общеучебным и специальным стратегиям).

Стратегии творческой деятельности

В 3 – 4 классах следует постепенно расширять количество теоретических знаний об искусстве, показывать образцы мировой художественной культуры, организовывать обмен эффективными стратегиями. На этом этапе уже становится развитой их рефлексия на основе «листа анализа стратегии».

В 4 классе можно уже использовать анкету выявления стратегии для углубления механизмов рефлексии, развития сознательного управления своими действиями. После чего следует расширять знания детей из теории искусства, развивать позицию «искусствовед», «критик». Уже в середине 4-го класса важно организовывать персональные выставки детских работ. На этом этапе дети не только продолжают развивать стратегии творческой деятельности, но и участвуют в проектной деятельности, выполняют более сложные проекты моделирования. А также пишут зрительские эссе, творческие отзывы, «рекомендации Мастера» (друг другу).  В средней и старшей школе они продолжают участвовать в творческих и исследовательских проектах в рамках курса МХК, на уроках которого можно еще более глубоко реализовать позиции «художник», «исследователь», «экскурсовод», «музейный работник». В построении этих уроков важно избежать излишней теоретизации и необходимо включать детей в комплексные виды деятельности, активно используя уроки-проекты, уроки-исследования, уроки-лаборатории, уроки-мастерские, уроки-презентации, уроки-экскурсии. Важно их организовать так, чтобы ребенок  постоянно был вовлечен в творческий процесс. Нельзя увлекаться лекциями и слайд-презентациями, в которых преимущественно реализуется репродуктивная деятельность детей.

Развитие специальных познавательных стратегий

полезно начинать с анализа учениками действий учителя, плавно переходя к планированию и анализу учащихся их творческой работы.

В этой образовательной модели учитель обязательно сам рисует вместе с детьми, имеет свое творческое задание. Сначала он рисует в качестве демонстрации образца анализа простых действий с обязательным комментарием ключевых элементов собственной стратегии. А затем делает это по ходу творческой деятельности школьников, создавая и поддерживая, таким образом, отношения сотрудничества, постоянно демонстрируя равноправие позиций, реализуя роль «наставника», «мастера», «партнера», «координатора», избегая любых проявлений диктата со своей стороны.

Первые листы анализа стратегии учитель разрабатывает исходя из собственного опыта, в ходе подготовки к максимально сенсорному и детальному объяснению собственной стратегии на уроке при выполнении демонстрации очередного комплекса компетенций. После того как основной состав действий и операций будет определен, педагог расширяет содержание деятельности в листах анализа, делая его максимально емким и разнообразным для последующего планирования и анализа действий учениками.

Здесь важно избегать навязывания структуры и последовательности выполнения действий в рамках одной «правильной» стратегии. Для этого в листах анализа может быть существенно изменена последовательность учебных действий, предусмотрены пропуски для заполнения их детьми. По мере того как ученики овладевают рефлексией познавательных стратегий, следует переходить к не специфицированной версии листа анализа, в котором гораздо больше предполагается свободы для планирования и последующей рефлексии собственной деятельности.

После этого учащиеся, наблюдая за творческой деятельностью учителя, могут самостоятельно выделить состав основных действий. И на этой основе спланировать свою деятельность, использовать собственную подготовку в процессе создания творческой работы с последующим анализом и выводами.

Уже к концу 2-го класса состав и последовательность действий существенно отличаются от исходного варианта, подготовленного учителем. А к концу 3-го класса дети могут самостоятельно, без какого-либо образца спланировать и реализовать свой творческий проект. В 4-ом классе таким образом можно прийти к работе только с анкетой анализа собственной стратегии, что уже будет свидетельством высокого уровня осознания и управления собственной учебной деятельностью и в перспективе станет фундаментом для саморазвития и самообразования. 

Развитие основ самоорганизации

может быть реализовано в ходе цикла уроков «Я и  мир глазами художника».  В рамках таких занятий полезно обсудить с детьми следующие вопросы: какие бывают эмоции, как они выражаются при помощи «языка искусства», для чего и как автор художественного произведения создает особое настроение в пространстве творческой работы? В начале реализации этого цикла уроков следует предоставить возможность учащимся реализовать свои негативные и позитивные переживания в процессе творческой деятельности, затем научив их способам управления своими состояниями и настроением при помощи субмодальных изменений (цвета, света, формы, линий и т.д.). В случае достаточной психологической подготовки учителя, возможно провести определенную диагностику простых детских проблем с целью их коррекции. Например, обсудить простейшие способы трансформации имеющихся страхов, сложностей в поведении и коммуникации.

         Среди творческих заданий в этом цикле уроков может использоваться изображение при помощи красок таких базовых эмоций и состояний, как грусть, усталость, печаль, гнев, легкость, радость, надежда, ожидание, предвкушение, вдохновение, удивление, озарение, любовь и т.д. 

Основные правила самоорганизации

1. Обучение организовывать свое рабочее место.
2. Начало освоению детьми процесса сознательного управления простыми действиями.
3. Обсуждение всех важных действий, которые делает «художник», прежде чем приступает к процессу творчества. Тогда организация собственного пространства в игровой форме может стать творческим проектом, в котором происходит планирование, подготовка, реализация и защита полученных результатов с последующим анализом, коррекцией и подведением итогов.
4. Сочетание репродуктивной и продуктивной деятельности.   
5. К организации подобных уроков следует периодически возвращаться так, чтобы добиться устойчивого и качественного результата. В ходе такого обучения можно умело            Занятия полезно строить в интеграции с литературой, музыкой, театром. Например, при обсуждении  замысла творческой работы, построении образа и выбора художественных средств полезно использовать аналогию с   минорной и мажорной музыкой, эмоциональной окрашенностью небольших музыкальных произведений.

Развитие восприятия художественного произведения и вкуса

Это комплекс микростратегий, формирующихся в процессе творческой деятельности. Их использование приводит к индивидуальной выработки критериев «прекрасного» и «безобразного». А эстетические критерии, в свою очередь, вырабатываются на основе оценки полученных творческих результатов в позиции автора и их соотношения с результатами коллег, лучшими образцами мировой художественной культуры.

Практическая реализация этих стратегий осуществляется во многом благодаря личностному осознанию закономерностей и правил, связанных с категориями «гармония» и «красота». К ним можно отнести закономерности сочетания света и тени, соотношения различных цветов и форм, законы построения композиции, перспективы и т.д.

Многие педагоги считают, что, показывая детям различные образцы творчества (или их репродукции) на лекции, в музее или картинной галерее, ученики могут заинтересоваться искусством. А если объяснить им простейшие «каноны искусства», то они  самостоятельно смогут выработать эстетические нормы. Именно поэтому учителя увлекаются слайд-презентациями, лекциями и походами на выставки и в музеи. Практика показывает, что такой путь не помогает детям воспринимать, понимать и любить искусство. Ученики, к сожалению, либо вовсе не знают, на что нужно обращать внимание, либо не имеют внутренних причин для того, чтобы глубоко заинтересоваться  произведением.

Базовая стратегия восприятия и оценки художественного произведения:

·        Первичное восприятие (зрительный охват полотна, созерцание и разглядывание).

• Ощущение эмоций от увиденного.

• Восприятие и анализ  символического ряда произведения.

•  Создание разнообразных вариаций зрительных конструктов по поводу различных элементов картины: представление картины в иных формах, красках, изменение композиции и т.д.

• Ощущение редких эмоций.

• Соотношение увиденного в пространстве картины с собственным опытом, воспоминаниями.

• Создание своего понимания произведения, личностного смысла.

• Формулирование суждений для выражения собственного мнения.

·        Анализ сюжета и создание первичного понимания произведения.

·        Анализ изобразительных средств, использованных автором произведения.

·        Позиционные переходы в пространстве произведения: «автор» – «зритель» – «герой произведения» – «герой эпохи» – «какой-либо дополнительный персонаж» и т.д.

Сначала необходимо помочь учащемуся приобрести опыт творческой деятельности, развивая анализ и рефлексию, затем освоить «язык искусства» и лишь после этого организовывать посещение картинных галерей, выставок и музеев — тогда они приобретают иной смысл для ребенка. При этом важно тщательно спланировать и продумать первые «встречи» детей с шедеврами мировой культуры. Имеет смысл подготовить их к таким «походам». Для начала полезно выбрать  небольшое количество произведений, отвести время для индивидуального восприятия. Полезно организовать беседу о том,  «как можно смотреть на картину», вспомнив при этом их опыт восприятия собственных произведений в классе. По итогам  общения с  каждой картиной необходимо устроить обмен мнениями и творческую дискуссию. Комментарии учителя должны быть завершающими в такой дискуссии. Не стоит выбирать произведения, которые изначально будут не понятны детям.

По мере развития собственного опыта творческой деятельности, освоения законов изобразительного искусства, личностной самореализации, восприятия и анализа художественных произведений, их оценки, у школьников начинают складываться собственные предпочтения  и эстетические критерии, которые в комплексе и приводят к развитию собственного художественного вкуса.

http://pligin.ru/p_s_sc/IZO.htm

Сайт по МХК

http://prosv.ru/ebooks/Solodovnikov_MXK_6-11kl/7.html

Дворцовый парк Версаля

 Рококо

Во второй четверти XVIII столетия мировая архитектура теряет всякие признаки монументальности и конструктивной ясности, которая особенно проявляется в интерьерах: стены и стелы превращаются в сплошные декорации. Настало время стиля рококо (от слова «рокайль» - завиток в виде ракушки). В это время знаменитый русский архитектор Варфоломей Растрелли (1700-1771) строит для императрицы Елизаветы и ее вельмож роскошные дворцы - Петергофский, Царскосельський, Зимний, Воронцовский, Строгановский. Просторные залы этих дворцов поражают бесчисленностью лепных узоров, блестящими паркетами, мастерски расписанными плафонами.

http://moymetr.com/?p=235

В середине XVIII столетия европейская знать отдавала предпочтение небольшим уютным комнатам, обставленными передвижными невысокими креслами, столиками, бенкетками. Одностилевые, обитые одинаковой тканью, они создавали гарнитуры. Такие группы мебели дополнялись вазами, скульптурами на специальных подставках или консолях, напольными часами, которые вошли в употребление, и другими менее значительными   предметами.   В   женских   комнатах - будуарах - пространство заполнялось маленькими письменными столиками, этажерками, горками для фарфора. В основном в будуарах и проходила светская жизнь, они были местом общения не только у аристократов, но и у более зажиточных буржуа.

Стиль рококо избегал прямых линий не только в архитектуре, но и в мебели. Только крышки столов были горизонтальными, все другие поверхности, как правило, были криволинейными независимо от их места и назначения. Характерно, что опорой почти всех предметов мебели были так называемые кабриоли - изысканно согнутые к низу ножки.

Одним из любимейших предметов обстановки того времени становится комод, который своей словно набухшей формой напоминает традиционные китайские сосуды. Декор еще больше усиливает это ощущение: передняя стенка комода воспринимается, прежде всего, как замечательное мозаичное панно. Только по едва заметным швам, которые разрезают нарядную композицию, можно заметить границы выдвижных ящиков.

Далеко не всегда можно распознать конструктивное строение вещей. В креслах, стульях, в многочисленных вариантах письменных столов бросается в глаза перход одних частей предмета в другие, их видимое слияние. Места скрепления отдельных частей словно маскируются орнаментом: сидение кресла плавно переходит в ножки, столешница стола буквально срастается с его опорой.

Обработка предметов достигает настоящего совершенства: используется и золоченная бронза, и фарфор, и мозаика из камня или разных пород дерева, заимствованная на Востоке лаковая живопись. Раскованность и смелость орнамента в одежде, острота рисунка и композиции, которые украшали мебель, были удивительными. Орнамент стиля рококо (мотивы фантастических ракушек, поток стеблей, листва, завитков) с одинаковым успехом воплощался и в металле, и в фарфоре, и в дереве.

Поверхность дерева, основного материала, из которого изготовлялась мебель, покрывали краской или позолотой; предметная культура середины XVIII столетия скрывала природу материала, функции и назначение предмета. Никогда еще мебель не была так похожа на посуду, а посуда на мебель, комод своей формой - на серебряную суповую чашу, а чаша - на фаянсовую миску. В духе предметов того времени была сделана и одежда. Втянутая в корсаж, с расширенной до гротескных размеров юбкой (кринолином), с огромным количеством отделки, кружив светская женщина была похожа на фарфоровую статуэтку. Женские прически, украшенные цветами, пером и ценностями, превратились в предмет специального искусства, которому посвящались целые трактаты. Мужские костюмы шили из таких же богатых тканей, как и женские, украшая кружевами и дорогими застежками.  Эти   застежки  стоили  иногда  столько же сколько  целое имение. Например, пуговицами могли быть маленькие часы в оправе из ценных каменьев.

Характерной особенностью рококо является сочетание внешней сдержанности и внутренней роскоши. Типичной постройкой такого стиля становится особняк, расположенный в глубине участка, между подъездным двором и садом. Даже вводят специальное название – «дом между двором и садом». Внешние украшения здания отличаются простотой, зато внутренние покои поражают изысканной роскошью. На смену утомительной парадности Версаля приходит интимная обстановка частного домика. Основные черты нового стиля - камеральность, изящество и комфорт.

Как и ранее, при оформлении особняка по-прежнему важен вестибюль. Его стенам часто придают «S»- и «C»-образные формы. Сам же вестибюль декорирован, как парадный зал, украшенный богатой лепниной и росписью.

Живопись рококо предназначают исключительно для жилых помещений. Легкомысленный и утонченный эротизм нового стиля украшает гостиные и будуары.  В моде также пасторали (от фр. pastorale -пастушеский) - изображения нарядных и соблазнительных пейзанок на лугах, галантные сцены из быта светского общества на фоне пышных праздников, а также театральные сюжеты. Во всех излюбленных аллегориях прослеживается одна мысль - необходимость наслаждения быстротечной жизнью. Галереи и будуары украшают портретами владелиц в обличии Дианы, Венеры, нимфы. На смену мажорным барочным цветам приходят нежные жемчужные полутона - розовый, светло-голубой, фисташковый, бежевый. Особенно ценят в рококо сочетания белого с золотым.

Как и в барокко, в рококо большую роль в интерьерах играют зеркала. Их обрамляют рамами из тонкого резного дерева, покрытого позолотой. Зеркала помещают в простенки между окнами, поэтому они получают название «трюмо» (от фр. trumeau - простенок). Их задача, как и во времена барокко, в стирании грани между реальным и иллюзорным.

Центральным украшением залы делают камин - невысокий, покрытый мраморной плитой, на котором располагают различные аксессуары: часы, фарфор, статуэтки. Над камином обычно вешают зеркало.

Тяга к экзотике перерастает буквально в манию. В орнаменте возникают китайские, персидские, японские, турецкие мотивы. Все восточное воспринимают как символ утонченности, изысканности, чувственности.

Одним из главных открытий рококо стал фарфор - с белоснежной поверхностью и тонкой росписью. Изделия из него быстро распространяются по всей Европе. Это статуэтки, вазы, шкатулки, табакерки, сервизы.

Изделия того времени из стекла отличаются особой утонченностью. Они имеют самые разнообразные формы, их украшают резьбой, гравировкой, расписывают эмалями.

Это время появления нового способа золочения стеклянной посуды: производили бокалы и фужеры с двойными стенками, между которыми устанавливали золотые или серебряные с позолотой пластины с заранее выгравированным рисунком или орнаментом.

 Костюм эпохи рококо

Черты художественного стиля рококо находят свое глубокое отражение и во французском костюме

XVIII в., и прежде всего в изменении представлений о красоте человека.

Создание образа в костюме связано с резким нарушением естественных пропорций человеческой фигуры, контрастом ее верхней и нижней части. Маленькая изящная головка, узкие плечи, тонкая гибкая талия и гротескное по размерам и форме преувеличение линии бедер. Формы костюма, его покрой, отделка полностью разрушают связь между эстетической и утилитарной функцией костюма. Практичность и удобство несовместимы с декоративностью рококо.

Сближение внешних черт мужчины и женщины, их изнеженный, кукольный облик, пренебрежение к возрастным особенностям (молодые и старые носили одинаковые костюмы, применяли одну и ту же декоративную косметику) свидетельствовали о моральном и физическом вырождении аристократической верхушки. Полная неприспособленность к труду многих ее поколений достигла в это время своего апогея: все силы и таланты направлены на галантный флирт, на салонные развлечения. Во французской живописи с такими образами нас знакомят картины Буше, Ватто, Фрагонара.

Французский мужской костюм состоит из белья, камзола, жюстокора и кюлотов.

В первой половине века сорочка пышно отделывается кружевом на манжетах и высоких жабо. Шейные платки из белого полотна или батиста туго бинтуют шею, а поверх них франты повязывают черную шелковую ленту. Кружево применяют только тонкое, легкое на тюлевой основе с редким узором.

Жюстокор был прилегающего по талии силуэта с узкой и покатой линией плеч и расширением к бедрам и низу. Нижняя отрезная его часть, состоящая из клиньев, была на жесткой полотняной или волосяной прокладке. В боковых швах и шлице спинки заложены складки .

Все детали декоративно подчеркивались вышивкой, металлическими и обтянутыми основной тканью пуговицами, краевыми фестонами. Особо роскошная и сложная кайма вышивки располагалась по борту, манжетам рукавов и клапанам прорезных карманов. Жюстокор шили из бархата, шелка, атласа

   Рококо

В XVIII в. в женский костюм вновь возвращается каркасная юбка. Это панье из плотной проклеенной ткани, укрепленной на горизонтальных обручах из китового уса или металлических (рис. 7 слева). Панье пристегивалось на пуговицах к жесткому корсету. Корсет плотно шнуровался сзади. Во второй половине века панье заменяют двойными фижмами — две полукупольные формы (для каждого бедра отдельно), соединенные тесьмой на талии (рис. 7 справа). Такой каркас создавал в женском костюме силуэт треугольника с основными отношениями: ширина юбки к росту — 1 : 1,2; размер головы к росту — 1 : 5; ширина плеч к ширине юбки 1 : 5,5; длина лифа к длине юбки 1 : 2,5.

http://afield.org.ua/mod3/mod50_1.html

http://www.wm-painting.ru/USA_Museum/p2_articleid/273

Джон Констебль «Белая лошадь»

1819, масло, холст, Нью Йорк

Мол в Кале. Французские рыбаки выходят в море,

прибывает английское пассажирское судно (1803),

Галерея Тейт, Лондон

 

Последний рейс корабля "Отважный" (1838)

Национальная галерея, Лондон

Улисс насмехается над Полифемом (1829),

Галерея Тейт, Лондон

Озеро Аверн: Эней и дух Кумы (ок. 1814-15)

Примерное самооценивание ученика в

 учебном проекте Кучковой Т.Ю.

«Уроки музыки и ритмики как средство

оздоровления детей с нарушениями зрения»

(итоговое оценивание)  

Карта итогового оценивания

работы группы учеников над проектом Назиповой Т.

«Мотивация к речи»

Проект Акулова Е.Е.

« Компьютеры-путь к реабилитации инвалидов по зрению»

Критерии для анализа качества исследования

(Итоговое оценивание)

       Для оценки используется пятибалльная система:

Отлично-40-30 баллов

Хорошо-29-19 баллов

Удовлетворительно-18-8 баллов

Обучение для будущего

Intel и правительство России объявили о совместных планах по улучшению качества образования с помощью реализации проекта 1 ученик : 1 компьютер в местных школах. Инициатива национального масштаба включает обучение преподавателей, локализацию материалов и установку компьютеров в школах. Данная инициатива поможет вывести систему образования на новый, современный уровень.

Запуск курсов для преподавателей и предоставление учебных материалов стали возможными благодаря объявленной ранее правительством России инициативы, которая направлена на увеличение числа классов и школ, оснащенных компьютерами.

 В процессе обучения по программе"Обучение для будущего" предполагается создание учителем учебного проекта, в рамках которого проводится исследовательская работа учеников (школьников) по определенной проблеме. Суть проблемы отражается в системе вопросов - так называемой триаде вопросов[6]. Система имеет трехуровневую структуру:

основополагающий вопрос;

проблемные вопросы учебной темы;

учебные (содержательные) вопросы.

В процессе обучения по указанной программе учителя моделируют творческую работу группы (команды) школьников. Предполагается, что школьники исследуют проблему. В качестве формулировки проблемы выступает основополагающий вопрос. Проводя исследовательскую, проектную работу школьники отвечают на этот вопрос, решают проблему.

Таким образом, метод обучения предлагаемый в этой программе можно назвать проблемно-проектным методом. В результате учебы по программе у учителя создается комплект учебно-методических материалов (его называют в программе Учебно-методическим пакетом) в виде презентаций, Web-сайтов, буклетов, графических, текстовых материалов, объединенный общей темой и проблемой исследования. Можно сказать что учителем создается Учебно-методический пакет .

В проблемном обучении(академик Махмутов М.И.) выделяют несколько видов обучения: проблемно—диалоговое обучение, проблемно—задачное обучение, проблемно—алгоритмическое обучение, проблемно—контекстное обучение, проблемно—модельное обучение, проблемно—модульное обучение, проблемно—компьютерное обучение [5]). В отличие от указанных проблемно—проектный метод предполагает, что объектом обучения является не только ученик, но и учитель.

К умениям и качествам человека XXI века таким как ответственность, взаимопонимание, открытость новым идеям, умению работать с информацией, умению работать в команде большое значение придается умению формулировать и решать проблемы, критически и системно мыслить. Таким образом, возросло требование к умственной деятельности, к мышлению человека.

Широко известна классификация мышления, разработанная ещё в конце 1950-х годах группой американских психологов и педагогов под руководством профессора Чикагского университета Бенджамина Блума. Её называют ТАКСОНОМИЯ БЛУМА. Это классификация по шести различным уровням, категориям мышления. Категории мыслительных умений рассматриваются как умения разного уровня сложности: от самого простого умения к самому сложному:

Уровень знания - на этом уровне учеба (учебные цели) предполагает запоминание, распознавание и воспроизведение базовых, основных элементов, понятий в учебном предмете.

Уровень понимания – на этом уровне предполагается интерпретация, умение объяснить полученные результаты в процессе освоения знания, продемонстрировать на примере, в том числе на практическом примере.

Уровень применения – на этом уровне обучения предполагается сформировать у обучаемого умения по использованию знаний в практических ситуациях.

Уровень анализа – на этом уровне формируются умения проводить анализ элементов (т.е. уметь разделять целые системы, объекты на составляющие его элементы), анализ связей , отношений.

Уровень синтеза – на этом уровне предполагается формирование умения объединять, синтезировать, обобщать. При синтезе предполагается, что происходит объединение, синтез идей при решение проблемы, синтез, объединение процедур алгоритмов, а также синтез, объединение структур, элементов в процессе формирование системы, объектов из отдельных частей, элементов, положений.

Уровень оценки – на этом уровне формируются диагностические умения, развивается критическое мышление, умение формировать аргументированную, логическую, конструктивную систему оценок, умение пользоваться критериями.

Литература

1.Intel”Обучение для будущего”. Проектная деятельность в информационной образовательной среде 21 века: Учеб. Пособие – 10-е изд., перераб. –М.: НП “Современные технологии в образовании и культуре”, 2009. – 168с.+CD

Критерии оценки вики-статьи 

Арттерапевтическое занятие «Цветок моей мечты»

http://letopisi.ru/index.php/%D0%90%D1%80%D1%82%D1%82%D0%B5%D1%80%D0%B0%D0%BF%D0%B5%D0%B2%D1%82%D0%B8%D1%87%D0%B5%D1%81%D0%BA%D0%BE%D0%B5_%D0%B7%D0%B0%D0%BD%D1%8F%D1%82%D0%B8%D0%B5_%D0%A1%D1%82%D0%B0%D1%80%D1%87%D0%B5%D0%BD%D0%BA%D0%BE_%D0%9D%D0%B0%D1%82%D0%B0%D0%BB%D1%8C%D0%B8_%D0%A6%D0%B2%D0%B5%D1%82%D0%BE%D0%BA_%D0%BC%D0%BE%D0%B5%D0%B9_%D0%BC%D0%B5%D1%87%D1%82%D1%8B

 Кардмейкинг

 Итак, что такое кардмейкинг (cardmaking)?  На самом деле всё просто. Card – карта, открытка, Make – делать, изготавливать. Объединяем два слова и получаем: «Изготовление открыток». Кардмейкинг – это ремесло, направление в искусстве, род творчества и хобби. Кардмейкинг подразумевает ручное изготовление открыток. Кто-то считает кардмейкинг поднаправлением скрапбукинга, но есть и иная точка зрения, её сторонники склонны относить кардмейкинг к суверенным видам рукодельного искусства. В большинстве случаев люди, занимающиеся скрапбукингом, уделяют немало времени и кардмейкингу.

Чуточку истории. Кардмейкинг, как направление в искусстве, достаточно молод, однако, открытками ручной работы люди занимаются даавным-давно. Ещё в древнем Китае на Новый год было принято дарить друг другу открытки, тем же занимались и Египтяне. В Европе поздравительные открытки появились в 13-14 веках. В то время подобные поздравления (в виде открыток) были довольно дорогим удовольствием. Лишь с середины 19 века, с развитием печати и индустрии, поздравительные открытки стали доступны простым смертным. В 30-х годах 20 века открытки поставили на конвейер, началось их массовое производство.  Возможно, развитие кардмейкинга, как рукоделия, здесь и приостановилось. В нашей стране "затишье" прошло с наступлением 21 века. Последние 5-10 лет наблюдается тенденция роста популярности кардмейкинга и рукоделия – в целом. Открытки и иные изделия ручной работы вновь в цене. Почему? Всё просто. Ручная работа эксклюзивна, неожиданна, солидна, в каждой подобной работе таится частичка души её автора, неповторимый стиль. Как нет двух похожих людей, так, наверное, нет двух похожих открыток ручной работы. Ещё одна причина популяризации рукоделия (кардмейкинга – в частности) – потребность в творчестве. Человек так устроен. Ему это нужно. Автоматизация всех на свете процессов ни к чему хорошему привести не может.
Современному кардмейкеру, правда (в связи с той же автоматизацией производства), несколько проще импровизировать и придумывать нечто новое для себя и целого направления. В производстве и продаже полным-полно самых разнообразных материалов и инструментов, в сети описано множество техник, направлений и мастер-классов.

   http://scraphouse.ru/beginners-scrapbooking/what-cardmaking.html

Методический паспорт учебного проекта

" Веер как элемент бытовой культуры высшего общества''

Автор проекта: Грачева Ирина

Цель проекта:

• Познакомиться с особенностями устройства веера;
• Понять разницу между повседневным и праздничным веерами;
• Выявить вторичное назначение веера (помимо утилитарного).

Задачи проекта:

• Придумать разнообразные формы и способы изготовления из разнообразных материалов веера для повседневного и праздничного использования;
• Придумать разнообразную конструкцию веера, изготовленную из выбранных материалов, с максимальной функциональной возможностью в использовании;
• Сделать предварительные зарисовки, пробники, а затем макеты вееров;
• Подготовить и сделать устное сообщение-презентацию с демонстрацией полученных результатов.

Возраст учащегося: 5 класс, 11 лет

Время работы над проектом:  2004/2005 уч. г. (сентябрь – май)

Обеспечение:

• Разнообразные художественные материалы, бросовые материалы;
• Просмотр слайдов и иллюстративного материала с изображением интересующего объекта исследования;
• Работа с энциклопедическими источниками и др. печатными материалами;
• Посещение выставочных залов и музеев с целью подробного ознакомления с объектами исследования.

Ход учебного проекта:

1-й этап.

Рабата с учителем для погружения в тему проекта. Определили тему проекта, остановились на заголовке ''Веер как элемент бытовой культуры высшего общества''. Поставили цели и задачи решения проекта. Составили план работы и способы решения проблемы проекта.

Цели и задачи решения проекта названы выше.

Способы  решения выстроили так:

1.     Необходимо прочитать печатные источники;

2.     Прежде чем изготовить макеты, нужно выполнить зарисовку и попробовать выполнить роспись на бумаге и ткани разными художественными материалами.

3.     Придумать веер на основе современных технологий и отделочных материалов.

2-й этап.

Информация о истории возникновения веера.

Веер – это устройство, чаще складное, из бумаги, ткани, кости, дерева, перьев, кружева (нередко отделанное росписью, инкрустацией, сквозной резьбой), предназначенное для обмахивания, навевания прохлады.

Название веер от немецкого Facher . М. Фасмер считает, что это слово образовано народной этимологией под влиянием старославянского ''веять''.

Складной веер впервые появился в Японии и Китае, составлялся из отдельных пластин, скрепленных у основания штифтом, а в верхней части – тонкой тканью, бумагой или пергаментом, выкроенных дугообразно. Этот тип был перенесен в Западную Европу, а оттуда в 18 веке в Россию.

Повседневный и праздничный веер

В создании веера принимали участие лучшие художники своего времени. Вот, например, описание веера для бала: ''Модные веера делают из перьев, белых или цвета райской птички, с сквозными перламутровыми косточками; на перьях такого веера бывают золотые арабески и гирлянды незабудок''. (''Московский телеграф'', 1829, №3, с. 433).

В 19 веке веер позволял судить о семейном положении женщины: ''Для балов при белом платье, необходим веер белый, слоновой кости или перламутровый, а для замужних дам кружевной или из страусовых перьев''.

В конце 19 века художники ''Мира искусства'' возродили интерес не только к искусству, но и к бытовой культуре 18 века (многие из них сами расписывали веера).

Повседневный веер был скромным, в основном сделанный из кружевного полотна или шелковой, атласной ткани. Украшением служила вышивка бисером или нитью.

Особый язык веера

Дамы и кавалеры 18 века вели своеобразных диалог между собой при помощи веера. Этот диалог нельзя было услышать, но можно было подглядеть. Язык веера читался в процессе ''разговора'', по перемене его положения, движению руки, по количеству открывшихся и мгновенно закрывшихся отдельных ''листиков''.

В бытовой культуре 18 века существовало выражение ''махаться'' (т.е. вести любовную игру, ''роман''). Это был тайный язык влюбленных, поэтому в портретах 18 века изображения дам с веером довольно редки, а главное, что веер, как правило, закрыт, т.е. молчит.

Хотя язык веера можно назвать женским языком, его должны были понимать мужчины. Приведем примеры этого языка:

''Я замужем'' – говорит отмахиваясь развернутый веер;

''Вы мне безразличны'' – закрывается;

''Будьте довольны моей дружбой'' – открывается один листик;

''Вы страдаете, я вам сочувствую открываются два листика;

''Можете быть смелы и решительны'' – веер держится стрелой;

''Ты мой кумир'' – полностью раскрыт.

                                                   (Верещагин В.А. Памяти прошлого, СПб., 1914, с.70)

Цвет веера как язык общения

Цвет веера не только подбирался к туалету, но и мог содержать некоторую информацию о настроении владелицы:

Черный – печаль

Красный – радость

Лиловый – смирение

Голубой – постоянство, верность

Желтый – отказ

Коричневый – недолговечное счастье

Черный с белым – разрушенный мир

Розовый с голубым – любовь и верность

Убранный блестками – твердость и доверие.

Положение веера в руке – язык общения

Из множества вариантов этого своеобразного языка общения выбираем только тот, который совпадает у большинства авторов:

Чтобы выразить согласие да – следует приложить веер левой рукой к правой щеке;

Нет – приложить открытый веер правой рукой к левой щеке

Я тебя люблю – правой рукой указать на сердце закрытым веером

Я вас не люблю – сделать закрытым веером движение в сторону

Будьте осторожны, за нами следят – открытым веером дотронуться до левого уха

Не приходи поздно – правую сторону открытого веера держать перед тем, с кем ведется разговор, а потом быстро закрыть его

Не приходи сегодня – провести закрытым веером по наружной стороне руки.                        

( Р.М. Кирсанова Костюм в русской                                      художественной культуре 18-20 в.в. М., 1995г.)

3-й этап

Я поставила цель: найти разнообразные способы изготовления веера из разных материалов. В начале своей работы мною были выполнены зарисовки возможных форм и видов вееров. В основу таких зарисовок был положен полукруг и разная конфигурация контурного абриса.

Первая попытка выполнения веера была сделана из обычной бумаги путем складывания ''гармошкой''. Это было сделано для того, чтобы определить величину веера в развороте и дальнейшее удобство его использования. А так же необходимо было выявить ритмичность повторов конструкции жесткого каркаса (ребро веера – опорный стержень).

Прорисовка узора на ткани приемом технологии ''батика'' помогло увидеть особенности пространства ''свободного поля'' и ''мертвой зоны''. Это дало возможность скорректировать узор таким образом, чтобы в последующем самые красивые элементы не закрывались опорными стержнями и узор просматривался.

Но в процессе подготовки к практической работе (чтение текстовых материалов) мною было выделено, что веер в 18 веке был подвижным. Поэтому дальше я сделала попытку разработать модель веера с отдельными листочками. Принципом соединения этих листочков стал обычный винт. В качестве украшения такого веера был взят прием рельефного моделирования узора на гофрированной бумаг, а также прием ''торцевания''.

Творческий итог работы – это придуманный мной веер на основе ранее испробованных приемов работы и внесенной новизны – выкладывание узора при помощи шпагата. В ходе работы над таким веером были сделаны дополнительные усовершенствования (соединила отдельные листочки тканью для целостного восприятия модели и в то же время, модель оставалась подвижной).

Итог:

Данная тема творческого проекта помогла мне оценить красоту придуманных элементов туалета женщины 18 века. Раскрыла многообразие приемов и способов работы, которые могут быть использованы и в других видах моей деятельности, например, подготовка к праздникам, карнавалам, оформлении моего быта.

http://iso741.sch741.edusite.ru/p2aa1.html

Методический паспорт учебного проекта

По теме: «Рельефная скульптура. Медальон.»

Автор проекта: Грачева Ирина

Цель проекта:

• Познакомиться с историей возникновения медальона;
• Понять разницу в технологии изготовления и использования медальона в разные времена , в частности, на Руси и современном дизайне;
• Выявить возможные варианты изготовления медальона в учебных условиях.

Задачи проекта:

• Придумать разнообразные способы изготовления медальона из соленого теста, пластилина, глины;
• Придумать и выполнить варианты медальонов нательного типа с использованием бисера и других способов оформления.
• Подготовить и сделать устное сообщение-презентацию с демонстрацией полученных результатов.

Возраст учащегося: 7  класс, 13 лет

Время работы над проектом:  2006/2007 уч. г. (сентябрь – май)

Обеспечение:

• Разнообразные художественные материалы, бросовые материалы;
• Просмотр слайдов и иллюстративного материала с изображением интересующего объекта исследования;
• Работа с энциклопедическими источниками и др. печатными материалами;
• Посещение выставочных залов и музеев с целью подробного ознакомления с объектами исследования.

од учебного проекта:

1-й этап.

Работа с учителем для погружения в тему проекта. Определили тему проекта, остановились на заголовке  «Рельефная скульптура. Медальон.» Поставили цели и задачи решения проекта. Составили план работы и способы решения проблемы проекта.

Цели и задачи решения проекта названы выше.

Способы  решения выстроили так:

1.     Необходимо прочитать печатные источники;

2.     Прежде чем изготовить образцы как самостоятельно творческую работу, нужно изучить разнообразие этих видов изделий. Использовать в работе разный художественный материал: пластилин, краска, бисер, картон и др. возможные материалы.

3.     Придумать и реализовать замысел гарнитурных комплектовс учетом учебно-бытовых условий.

2-й этап.

Информация об истории возникновения медальонов

Медальон

Медальон (франц. medaillon, от итальянского medaglione, увеличительное от medaglia - медаль), 1) изобразительная или орнаментальная композиция (лепной или резной рельеф, роспись, мозаика) в овальном или круглом обрамлении. Применяется для декорирования зданий, мебели и др. 2) Ювелирное украшение (часто в виде овальной или круглой плоской коробочки с цепочкой), которое служит одновременно для хранения миниатюрного портрета или реликвии. М. носят на шее.

Медальерное искусство

Медальерное искусство, искусство изготовления монет и медалей, особая область мелкой пластики, родственная глиптике.

Эти понятия очень похожи и собственно родственны, т.к. в основе лежит сходство форм, принципа оформления и расположения символов и образов. Очень часто в разные времена монеты служили украшением для одежды, тела человека. Монеты нашивались, подвешивались. Для этого выбирали монеты из драгоценных металлов, таких как серебро и золото. Особенно распространенными такие украшения были в Средней Азии. На территории Крыма девушки татарской национальности имеют украшения – мониста. Это ряд монет соединенных между собой в большие ожерелья, прикрывающие всю переднюю часть груди. Эти монеты использовались и как практические, если создавалась неблагоприятная материальная обстановка и возникала необходимость продать эти монеты. Монисты дарились женихами невесте, такие ожерелья изготавливались на заказ.

Медальерное искусство возникло на основе рельефного скульптурного изображения, выполняемого из гипса и глины. Рельефы служили украшением

Фасадов домов и внутренних интерьеров. Монументальные рельефы стали прототипом миниатюрных, а затем технология изготовления рельефа частично послужило опорой для изготовления и ювелирных украшений.

В качестве материала для медальонов используются металлы (медь, серебро, золото и другие), которые благодаря их относительной прочности и мягкой податливости позволяют добиться чёткости мелкофигурных изображений.

Медальоны как элементы украшения появились еще в Древнем Египте. Их делали как обереги и привелегией ношения обладали жрецы и фараон (жук скарабей излюбленный символ-знак).

 В Лидии и Древней Греции с появлением монет (рубеж 8 и 7 веков до н. э.), Медальоны изготавливались с опорой на стилевые закономерности развития искусств пластических, но имеет и ряд особенностей.

Для М. и. характерны: устойчивость иконографических типов и композиционных приёмов, связанных с необходимостью вписать изображение в заданную форму (главным образом круг) и добиться органичного композиционного сочетания изображений с надписями; поиски ясных и лаконичных пластических решений, способствующих облегчению восприятия изображений; широкое применение символов, эмблем, аллегорий.

Медальоны архаической Греции (7-6 века до н. э.), выполнявшиеся из электра и серебра, были небольшими и односторонними. Помещенные на них рельефные изображения голов или фигур животных отличались лаконизмом и отточенностью, тяготением к стилизации и орнаментальности. В классический период (5-4 века до н. э.) медальоны укрупняются, на их лицевых сторонах располагается профильное изображение головы божества, на оборотных - многофигурные композиции на мифологические темы. Их отличают совершенная простота композиции, классическая ясность изображений, мягкость градаций рельефа и тщательность трактовки деталей.

На Руси медальон имел религиозную символику с изображением ликаов святых (нательная иконка). Медальонами украшались и отделывались сооружения культового значения. Деревянные медальоны использовались для украшения зданий людей богатого сословия.

Примеры медальонов-украшений с элементами культуры языческой Руси

Это образцы медальонов «Владимировская Русь»

Мы видим символы, обозначающие мифологические или фантазийные элементы. Своего рода эти символы были оберегами и служили образцами для изготовления нательных медальонов.

В Средние века в Европе медальоны были средством украшения и хранения миниатюрных портретов близких людей, а также секретным хранением веществ (яд) или памятных для человека мелких вещиц (локон волос). Такие медальоны нанизывались на длинные цепочки и скреплялись скобкой, которая позволяла регулировать степень подтягивания украшения к воротнику.

Позднее такие медальоны стали использоваться в виде брошек, прикрепленных у основания воротника.

Современный дизайн приобрел более вольные образы, основанные на фантазии и творчестве ювелиров. Собственно это стало ювелирным изделием, в котором применяются драгоценные и полудрагоценные металлы; камни, различная инкрустация. Например – мозаика.

3-й этап.

Я поставила цель: найти разнообразные способы изготовления медальонов  из разных материалов. В начале своей работы мною были выполнены зарисовки возможных композиций, форм и цветосочетаний отдельновызятых медальонов, а затем и гарнитуров. В основу таких зарисовок были положены символически-орнаментальные мотивы. Вначале я сделала зарисовки в рабочей тетради, а затем мини-рисунки на прозрачном материале – полиэтилене.

Первая попытка выполнения медальона осуществлялась в малом масштабе. Способ имитации цветного стекла был использован приемом раскрашивания и рельефный тип нанесения узора на материал – соленое тесто. Крепление – металлическая проволока (показ образца). Выполнение рисунка при помощи лепнины и отпечатков с других рельефных поверхностей. Я использовала лак для ногтей для закрепления поверхности и приданию окраски фону.

Но в процессе подготовки к практической работе (чтение текстовых материалов) мною было выделено, что медальоны могут содержать драгоценные камни. Я заменила их на бусинки, бисер и др.

Дальше я сделала попытку разработать модель гарнитурных комплектов с дополнительными вкраплениями. Этими вкраплениями стали кусочки цветного стекла (бисер) в пластилиновый наполнитель.

Творческий итог работы – это придуманный мной гарнитур для разных стилей одежды  с элементами витражного искусства на основе ранее испробованных приемов работы. В ходе работы над таким изделием были сделаны дополнительные усовершенствования (каркас макета картонный; обжиг соленого теста в печи).

Итог:

Данная тема творческого проекта помогла мне оценить красоту придуманных людьми способов украшения себя и окружающей среды. Раскрыла многообразие приемов и способов работы, которые могут быть использованы при оформлении собственного быта, а также в других видах моей деятельности, например, создание собственными руками бижутерии, или докладов по разным темам.

Литература.

1.     «Пластические искусства». Краткий терминологический словарь. М.,1995г.

2.      Ожегов С.И. «Словарь русского языка», М., 2005г.

3.     «Искусство». Энциклопедия для юношества. М., 2001г.

4.     «Чтобы ожили стены». Сборник. М., 1997г.

5.     Сокольникова Н.М. «Краткий словарь художественных терминов». Обнинск. 1996г.

6.     Муравьева Л., Рудишина Т. «Россия. Сокровища архитектуры». ЭКСМО. 2002г.

 http://iso741.sch741.edusite.ru/p10aa1.html

ТЕМАТИЧЕСКИЙ ПЛАН

ПО ПРЕДМЕТУ «УРОКИ ИСКУССТВА»

Связь логических уровней и педагогических средств       в обучении изобразительному искусству

А. А. ПЛИГИН "ПОЗНАВАТЕЛЬНЫЕ СТРАТЕГИИ ШКОЛЬНИКОВ"

Антонио Канова (Antonio Canova),

1757-1822 гг. · итальянский скульптор, представитель классицизма. Полированная, безукоризненно чистая белая поверхность придает статуям Кановы некоторую абстрактность и холодность, несмотря на тонко подмеченные детали и точную передачу анатомической структуры тела и драпировок. Это ощущение отстраненности присутствует даже в самых чувственных по своему сюжету произведениях скульптора, таких, как "Амур и Психея" (1783-1793, Лувр). Канова создавал композиции на мифологические сюжеты, портреты и надгробия. Среди его произведений: статуя "Персей" (1801, Ватикан, музей Пио-Клементино), несколько портретов Наполеона, портрет Джорджа Вашингтона в римских доспехах, "Паолина Боргезе в образе Венеры" (1805-1807, Рим, музей и галерея Боргезе), надгробия пап Климента XIII (1783-1792, Рим, собор св. Петра) и Климента XIV (1783-1787, Рим, церковь Санти Апостоли).

Канова родился 1 ноября 1757 г. в Поссаньо близ Тревизо, учился в Венеции у скульптора Дж. Торретти. Одно из наиболее удачных произведений раннего периода творчества мастера — мраморная скульптурная группа "Дедал и Икар", выполненная в модном тогда стиле рококо. Затем скульптор отправился изучать античное искусство в Рим и Неаполь, а с 1781 г. навсегда поселился в Риме. Здесь он присоединился к группе художников и знатоков античной культуры, чьи работы и исследования способствовали зарождению нового художественного направления, ориентированного на подражание классическому искусству древности. Первая работа Кановы, исполненная в этом стиле, позднее получившем название классицизма, — "Тесей и Минотавр" (1781-1783, Лондон, музей Виктории и Альберта). За ней последовало надгробие папы Климента XIV, которое принесло автору известность и способствовало утверждению стиля классицизма в скульптуре.

Заказчиками Кановы были папы, короли и богатые коллекционеры. С 1810 г. он занимал пост директора Академии св. Луки в Риме. В последние годы жизни мастер выстроил собственный музей в Поссаньо, где хранились гипсовые модели его скульптур. Умер Канова в Венеции 13 октября 1822 г.

  http://www.greekroman.ru/heba.htm

http://www.greekroman.ru/minotaur.htm

http://www.greekroman.ru/hero/paris.htm

лия-Аделаида Рекамье была женой крупного финансиста и считалась одной из самых образованных женщин своего времени. Ее имя с благоговением произносилось в кругах политических деятелей, дипломатов и писателей, а салон госпожи Рекамье был местом притяжения парижской интеллектуальной элиты. Его хозяйку называли «самой красивой женщиной Старого и Нового Света» и поклонялись ей, как божеству.

Жерар Франсуа (1770 - 1837)

Французский живописец и литограф.

Родился в Италии в Риме. Учился во Франции в Париже в "Королевском пансионе" в 1782 - 83 годах. Позже учился у О. Пажу, Н. Брене и Ж. Л. Давида(с 1786 года). С 1814 года "первый живописец короля". Жеерар писал портреты, а также картины на мифологические и исторические темы. Известен как автор парадных портретов 9 "Мадам Рекамье", 1802, Пти - Пале, Париж; "Наполеон 1 в коронационной одежде", ГМИИ ). С 1795 года выставлялся в Салоне. Жерар известен как автор декоративных росписей ( в Пантеоне, 1810 - е годы, Париж). Он, также, автор иллюстраций к произведениям Вергилия, Ж.. Расина и других поэтов. Умер Франсуа Жерар в 1837 году в Париже.

Жерар создал не возвышенно-благородный, а вполне земной образ очаровательной и кокетливой женщины. Он представил свою модель сидящей в кресле у бассейна. Ее окружает пышный, нарядный декор с аркой, колоннами и виднеющимся над красным занавесом пейзажем. На этом фоне молодая женщина выглядит особенно хрупкой и изящной. Но вместо легендарной красавицы, на протяжении полувека пленявшей Париж, Жерар показывает просто хорошенькую женщину.

http://www.artfrance.ru/art/g/gherar/art1.php

http://www.odessapassage.com/passage/magazine_details.aspx?lang=eng&id=34560

Романтический пейзаж в Англии

Многие исследователи полагают, что истоки романтизма находятся именно в английском искусстве с его классицистической эстетикой и традициями пейзажной живописи.  В пейзажном творчестве английских мастеров романтический пафос соединился с элементами реалистической живописи. Крупнейшими представителями романтического пейзажа в Англии были Дж. Констебл и Дж. М. У. Тёрнер.